かたちは線。線は光。光は色。色はかたち。シンプルなかたちに、全体に及ぶ色。かたち、線、光、色と、単純な要素を明快に実践するケリーは、それだけで特異な存在だ。
ケリーも含まれている1959年のニューヨーク近代美術館の新人アーティストたちの展覧会カタログと、最近のケリーの仕事を見比べてみると、作品のスタイルがほとんど変わっていない。
青春期から壮年まで、40年以上の期間、首尾一貫した作品のポリシーは、評価に値すると同時に、驚くべきことである。変わっていない。
単純な形態と色が、第一。首尾一貫して40年以上も変わりがないが、第二。しかし第三があろうとは、ぼくも長い間気が付かなかった。第三とは、区切られたスペースいっぱいの図形の示し方、である。
世界文化賞受賞の際に、初来日して話したときに、初めて分かった。その第三が、ケリーにとって重要かもしれない、とそのとき思った。
設置状態をまだ作家が未確認だったので、東京国際フォーラムの近年のケリーの、代表作を案内した。「赤と黒」という題の、変形パネルの巨大な作品だった。階段を上がっていって、五階から十一階ぶちぬきのアトリウムの壁面に設置された。皇居がわから見て、大窓から「赤と黒」が見える。屋内の一番目立つ場所にケリーのパネル作品が設置されているのだ。
場所はよかったが、壁面はグレーの石で、しかも縦横に深い溝が入れてあった。水平と垂直を限る装飾的な目地である。作品を置くには、その強い目地の溝と戦わなくてはならない。ケリーはそのことに難色を示してもおかしくない、と思った。
ところが、ケリーはその目地の溝が気に入ったのである。第三の、区切られたスペースいっぱいの図形の示し方、にその目地はピッタリだったのである。
ケリーがぼくに話してきかせたのは、子供のころ、クリームチーズのかたまりのようなものが、戸口に届けられた。それを片っ端から踏みつけて、フラットに伸ばしてしまった。フラットなオブジェを体験した最初の記憶だという。
ケリーの作品は、ギャラリーを区切られたスペースと見なした場合、働きかけるような、図形をいっぱいに示したものばかりである。カタログの図録では分かりにくいのだが、弧もあるその多角形は、箱の中のシンプルな品物のようではない。余白は品物を包む包装のようではなく、周囲に働きかけている。
箱の中の品より大きく、空間の雰囲気をガラリと変えてしまうものなのである。　たてよこに区切られた空間の、多角形の大きさの違いの微妙さ、その微妙さに気づくと、ケリーの作品が倍、楽しくなる。　エルズワースという変わった名前も、ひじまでの長さを表す単位のことだということを知ったことも驚きだった。クリームチーズのかたまりを、タイルの四角い単位いっぱいにフラットに踏み伸ばしているエルズワース少年が思い浮かんだ。　どうしても言っておかなければならないことがある。それはケリーの色彩のことである。それはポップアートにも通じる深みのないアメリカ的な色彩、ということになっている。だが果たしてそうなのか。アメリカで見るからアメリカ的、ではないのか。　現に、隣り合った色彩同士の微妙さを、ぼくはケリーの作品から教わった。テキサスのフォートワース美術館で見たケリーの、マティスに影響を受けた素描展は、今にして思えば重要な展覧会だった。ケリーは自宅近辺の自然の中の人工物ないし影の写真を撮り続けている。若いころ、フランスで教育を受け、フランスで美術教師をしている。　73年、ニューヨーク近代美術館、96年にニューヨーク、アップタウンのグッゲンハイム美術館で回顧展を開いている。


篠田達美